1. Workshop VANITAS. Neubetrachtungen eines alten Bildkonzepts
  2. Session at Historians of Netherlandish Art Conference
  3. Bilder exotischer Tiere zwischen wissenschaftlicher Erfassung und gesellschaftlicher Normierung 1500 – 1800
  4. Northerners in Italy: Negotiating Style, Art Markets, and Comunità

Workshop VANITAS. Neubetrachtungen eines alten Bildkonzepts
International Conference Historians of Netherlandish Art (HNA), Ghent, May 24-26, 2018 ANKK-sponsored Session
VANITAS. Neubetrachtungen eines alten Bildkonzepts

Wohl kaum ein Bildkonzept hat dem Methodenstreit der niederländischen Kunstgeschichte soviel Nährstoff geliefert wie das der Vanitas der irdischen Welt. So ist es inzwischen beinahe üblich geworden, die niederländische Stillebenmalerei unter dem Aspekt der Vergänglichkeit zu betrachten und ihr eine moralisierende Aussage zu unterstellen: Die abgebildeten Gegenstände der Stilleben – seien es der Totenschädel oder die Sanduhr, umgestoßene Gläser oder verwelkte Blumen, Geld, Schmuckstücke oder Instrumente (nicht nur des täglichen Lebens, sondern auch der Kunst und der Wissenschaft) – fungieren in der kunsthistorischen Forschung verallgemeinernd als Sinnbilder der Eitelkeit und Unbeständigkeit des menschlichen Lebens. Einer solch tendenziell kulturpessimistischen Deutung steht eine sensualistische Position entgegen, die an die Erkenntniskraft der sinnlichen Wahrnehmung festhält, oder auch eine sozialhistorisch orientierte, derzufolge an die im 17. Jahrhundert immer wichtiger werdende identitätsstiftende Rolle der Waren und Güter innerhalb der sich zu Wirtschaftsmächten aufschwingenden europäischen Nationen erinnert werden soll.

Es stellt sich also die Frage, ob der bildliche Verweis auf das Ende des irdischen Daseins in Kombination mit der Verherrlichung des Wohlstands − bspw. in Mahlzeitstilleben − eine negative Wirkung; das Nachsinnen über das Unvermeidliche im Vanitas-Stilleben mit der Tendenz zur Überwindung der irdischen Eitelkeit in Richtung des ewigen Lebens im Jenseits dagegen eine positive Betrachtung einfordert? Neuere Forschungen legen nahe, dass das Vanitasbild vom zeitgenössischen Betrachter eine aktive gedankliche Teilnahme auch im Sinne einer moralischen Reflexion über sich selbst verlangt, so dass es als privates Andachtsbild mit der Funktion einer Gedächtnisstütze für die Meditation über den Tod und das ewige Leben verstanden werden kann.

Vanitas vanitatum est: Ist also die sinnliche Welt nichts weiter als Schall und Rauch oder nimmt sie im Gegenteil einen wichtigen erkenntnistheoretischen Stellenwert ein? Unser Panelvorschlag greift diese Diskussion auf und fordert zu einer Neubetrachtung des Bildkonzepts auf. Angesiedelt zwischen der Verachtung der Welt und einer Lebensbejahung im Todesbewusstsein, zwischen der Emphase sinnlicher Erfahrung und der Betonung ihrer Relativität und Temporalität, zwischen einer Verherrlichung irdischen Wohlstands und einer Kritik daran, verfügen Vanitas-Bilder über ein ambigues Deutungsmuster, das jedes Mal neu ausgehandelt werden muss. Entsprechend soll nach den geistesgeschichtlichen Kontexten und Hintergründen gesucht werden, die uns helfen können, die vanitären Sujets und Motive historisch zu verorten. Entsprechend wird nach Beiträgen gefragt, die nicht nur die klassischen Vanitasstilleben thematisieren, sondern auch deren Vorläufer, wie die Totenkopfdarstellungen auf den Rückseiten von Porträts oder die vielen Hieronymusdarstellungen des 16. Jahrhunderts. Es soll weiterhin nach den theologischen und philosophischen Textgrundlagen gefragt werden, die zuweilen sogar in Form von Inschriften Eingang in die Bilder finden. Auch Beiträge zur Entwicklungsgeschichte einzelner Motive, wie z.B. der Homo Bulla, oder einzelner Subgenres, wie z.B. der Fröhlichen Gesellschaft, sind willkommen. Was beispielsweise kennzeichnet ein Vanitas-Stilleben bzw. unterscheidet es von anderen Ausformungen der Stillebengattung? Und inwiefern wird in vanitären Kunstwerk der bewahrende, d.h. die Vergänglichkeit aufschiebende Status des Bildes selbst abgerufen und reflektiert?

Wir bitten um Einsendung eines Abstracts (max. 250 Wörter) sowie eines kurzen CV (max. 100 Wörter) bis zum 30. Juni 2017 an Karin Leonhard (Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!) und Sandra Hindriks (Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!). Sollten Sie sich bereits bei einer anderen Sektion der HNA-Konferenz beworben haben, lassen Sie uns dies bitte wissen. Es werden ausschließlich unpublizierte Beiträge berücksichtigt. Sprecher müssen im Jahre der Konferenz sowohl Mitglied des ANKK als auch von HNA sein. Die Konferenzsprache ist englisch.

VANITAS. Reconsideration of a pictorial concept

One of the most controversial pictorial concepts within the methodological debate of Netherlandish art history certainly was (and still is) the concept of the Vanitas of the mundane world. It has become quite common to view and subsume Dutch still life painting under the aspect of transience and to claim that those works include a moralizing message: The depicted objects – may it be the skull or hourglass, overturned glasses, wilted flowers, money, jewelry or instruments (used either in daily life or in art and science) – have been interpreted by art historical scholarship in rather generalizing terms as symbols of the vanity and impermanence of human life. Besides this rather cultural pessimistic interpretation there are additional readings of still life painting – for example a more sensualistic approach emphasizing the cognitive power of sense perception; or a social-historic position that links the genre to seventeenth-century European economic expansion by accentuating the importance of goods as a means to establish identity.

Thus, the question arises, whether the pictorial reference to the end of earthly existence in combination with a glorification of wealth – for example in sumptuous still lifes, – has a negative appeal, while on the other hand vanitas still lifes may request a more positive reflection: thinking about the inevitability of death here tends more towards an overcoming of earthly existence in order to gain eternal life. Recent scholarship suggests that vanitas still lifes require beholders to engage in a more active contemplation – also in terms of a moral reflection about themselves. Thus they could be understood as private devotional images, serving as a reminder to the meditation on death and eternal life.

Vanitas vanitatum est: So is the sensuous world little more than smoke and mirrors? Or does she have – on the contrary – an epistemic significance? Our panel would like to take up this discussion and reconsider the pictorial concept of vanitas. Oscillating between contempt of the world and an affirmation of life in the awareness of the inevitability of death, between an emphasis of sense perception and an emphasis of its relativity and temporality, between a glorification of wealth and criticism of the same, vanitas still lifes offer an ambiguous interpretative potential which needs to be explored anew for every painting. We would like to look into historical and cultural contexts and backgrounds in order to locate vanitas themes and motives and thoroughly understand their meaning. Therefore, we welcome papers which not only address classical vanitas still lifes but also its predecessors, like for example the depictions of skulls on the reverse of portraits or the various paintings of Saint Jerome in the 16th century. Furthermore, we are interested in the theological and philosophical textual sources, which occasionally even find their way into the paintings. And we also ask for papers that explore the historical development of particular motives, such as e.g. the homo bulla, or certain sub-genres, like e.g. the Merry Company. What characterizes a vanitas still life and distinguishes it from other forms of still life? And how and to what extend does the vanitas painting reflect on the status of the image and its potential to preserve that which is most ephemeral in paint and thus from the impermanence of life?

We invite scholars to submit abstracts in English of no more than 250 words and a short CV of max. 100 words to Karin Leonhard (Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!) and Sandra Hindriks (Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!) by June 30, 2017. If you submit a proposal to more than one session, you should notify the chairs in advance. Only papers that are unpublished will be considered. Speakers must be HNA and ANKK members at the time of the conference. The conference language will be English.

 

Session at Historians of Netherlandish Art Conference (Ghent, 24-26 May 2018)
HNA Conference, Ghent
Deadline: May 31, 2017

Call for papers received:
Pevsner’s Blind Spots. Organization and Representation of Art Academies in the Northern and Southern Netherlands

Organizers:
Nils Büttner, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!
Birgit Ulrike Münch, Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn, Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!

Nicolaus Pevsner’s Academies of Art. Past and Present was first published in 1940. Without a doubt, his Academies is still a standard reference work. Nevertheless, it consolidated the alleged incompatibility of the Netherlandish and the French / Italian art system and hereby created a gap and hierarchy between the different art academies still recognizable in recent research. Pevsner’s largely idealized description of the French Academy was already in contrast to the situation in Antwerp. But above all, the Northern Netherlands appear to be diametrically opposed to this ideal. Pevsner exemplified his concept based on the artists Rembrandt and Charles LeBrun and regarded the Dutch group of buyers as characterized by a less developed tradition in matters of art collecting as well as a less trained ability to judge art and as having a much simpler taste. This, according to Pevsner, had damaging consequences: To satisfy the taste of these amateurs on a shapeless anonymous art market the Netherlandish artists were often forced to produce a huge amount of paintings of low quality.
Interdisciplinary approaches in various fields of research – e.g. the examination of statutes and ordinances of the different guilds and academies or prosopographical analysis of the members of the Saint Luke’s guilds (Bruges, Ghent, Antwerp) – have helped to revise this one-sided image of Netherlandish academies in recent years. Nevertheless, major desiderata still exist, e.g. regarding a historically appropriate terminology: A more precise definition of the different types of academies, brotherhoods, confraternities and guilds is still lacking. Scholars have suggested the concept of an „informal art academy“ or „drawing school“, as, among others, Hessel Miedema recommended instead of using the term „academy“

The session seeks to analyse Pevsner’s ‚legacy’ or, better, his ‚blind spots’ of academies within the geography of Northern Art and aims at paving the way for an examination of the organization, training and networking of Northern artists in a comparative analysis. We try to examine the artistic processes of exchange without overestimating the ideal of the French academy as the only historically valuable template for the concept of academia. Besides terminological questions the session aims to discuss the role of artists within Dutch and Flemish „academies“. How can the artistic contribution (allegorical visualizations; decorative programs) to the different academic spaces of art (meeting halls, ephemeral art on processions, ceremonial acts or a blijde incomst) be defined? Gender topics, e.g. the exclusion and inclusion of female members in Netherlandish and Flemish academies compared to those in Germany or France, also ties in with essential research objectives. Which artists were „border crossers“ between guilds and academies (e.g. artists in Den Haag)? How did this situation influence their work and in which cities did theacademies emerge out of the guild of Saint Luke (e.g. Antwerp)? And yet another topic has also been underestimated so far: How far can the written or painted self- portrayal of the artist as a member of the academy or of a rederijkerskamer affiliated with this organization be interpreted as a conscious act of self-academization?

We invite scholars to submit abstracts in English of max. 250 words and a short cv (100 words) no later than May 31 2017 to
Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein! and Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!. If you submit a proposal to more than one session, you should notify the chairs in advance. Only papers that are unpublished will be considered.
Speakers must be HNA members at the time of the conference.
The conference language will be English.

 

Bilder exotischer Tiere zwischen wissenschaftlicher Erfassung und gesellschaftlicher Normierung 1500 – 1800
Lehrstuhl für Kunstgeschichte/Bildwissenschaft, Universität Augsburg, 10.-11. Oktober 2017

That, he looked upon us as a Sort of Animals to whose Share, by what Accident he could not conjecture, some small Pittance of Reason had fallen, whereof we made no other Use than by its Assistance to aggravate our natural Corruptions, and to acquire new ones which Nature had not given us.
(Ein exotisches Pferd schätzt die europäische Zivilisation ein: Jonathan Swift, Gulliver’s Travels, 1726)

Die Darstellung exotischer Tiere zählte zu den besonderen Herausforderungen an Künstler der Frühen Neuzeit. Ihr Innovationsbedarf war zweifach, da neben der textlichen Überlieferung der antiken Naturgeschichte die im Zuge der überseeischen Expansion rapide zunehmenden Kenntnisse außereuropäischer Fauna einer visuellen Fixierung bedurften: Im methodischen Spannungsfeld von humanistischer Textrevision und sammelnd-empirischer Erfassung avancierte das Bild zu einem primären Erkenntnisträger der vormodernen Zoologie. Epochale Forscher wie Ulisse Aldrovandi engagierten etwa Künstler, um ihr Wissen anhand der Visualisierung sowohl externer Bildvorlagen als auch lebender und präparierter Tiere aus den eigenen Sammlungen zu schärfen.

Ihre Erkenntnisse wurden jenseits der Naturkunde in zahlreichen Fällen in illustrierten Flugblättern popularisiert; umgekehrt konnten Flugblätter mit kommentierten Bilddarstellungen unbekannter Arten als Belege für die Forscher dienen. Analog dazu blieb auch die Betrachtung lebender oder präparierter Exoten nicht auf eine elitäre Sphäre begrenzt, sondern zählte zum Repertoire wandernder Schausteller in der frühneuzeitlichen Populärkultur. Zugleich wurden Motive exotischer Tiere im Bereich der repräsentativen Kunst adaptiert, indem sie in Embleme und Allegorien eingesetzt wurden. Neben dem weit verbreiteten Thema der vier Erdteile, für die Exoten zur Markierung insbesondere Afrikas und Amerikas dienten, sei etwa auf die Symbola et Emblemata des Joachim Camerarius verwiesen, die ausschließlich Motive der weltweiten Flora und Fauna beinhalten. Ihnen allen gemein war der Klassifikationsbedarf in einer von Mythen und Legenden geprägten Naturvorstellung sowie der Skala der Naturreiche.

Unter der Annahme, dass der Blick auf einen unbekannten Bereich der Natur mit der Prüfung des eigenen kulturellen Selbstverständnisses verbunden ist, stellt der projektierte Workshop die Frage nach Momenten sozialer und kultureller Normstiftungen in frühneuzeitlichen Bilddiskursen exotischer Fauna. Sie erweist sich dort als besonders triftig, wo Exoten in wertebestimmende Repräsentationssysteme aufgenommen und wo tradierte Ordnungsvorstellungen der Naturgeschichte und des Rangs des Menschen in der Natur durch die Zunahme neuer Erkenntnisse überlastet wurden.
Methodisch-theoretisch reagiert die Veranstaltung damit auf die Herausforderung der Human-Animal Studies: Das Verhältnis vom Menschen zum Tier (oder genauer: zu den anderen Tieren) ist in den vergangenen Jahren zu einem interdisziplinär diskutierten Thema geworden, zu dem die Kunstgeschichte Grundlagen einer historisierenden Perspektive beizutragen vermag. Auffällig ist allerdings, dass der Diskurs der Human-Animal-Studies bislang hauptsächlich domestizierte Tiere fokussiert, die als Nutz- und Haustiere in einer künstlich geprägten Sphäre zwischen natürlichem und vom Menschen bestimmtem Verhalten leben. In der Konzentration auf Exoten sollen nicht zuletzt besonders menschenferne und kaum zu domestizierende Tiere wie Haie, Schlangen und Krokodile thematisiert werden, deren Lebensraum gleichwohl infolge der europäischen Expansion beeinträchtigt wurde und die gerade in ihrer Fremdheit als besonderes Faszinosum auf die frühneuzeitliche Gesellschaft wirkten.

Als kunsthistorischer Workshop mit interdisziplinären Anschlussmöglichkeiten richtet sich die Veranstaltung an den wissenschaftlichen Nachwuchs (Doktorandinnen und Doktoranden sowie Post-Docs) der Kunstgeschichte und Bildwissenschaft ebenso wie benachbarter Disziplinen (Ethnologie, Literaturwissenschaft, Geschichte und insbesondere Wissenschaftsgeschichte sowie Philosophie). Beiträge sollten in Fallstudien auf die folgenden Fragestellungen reagieren:

  • Wie begegneten Augenzeugen der außereuropäischen Fauna auf Reisen? Können an Bild- und Textdokumenten Stereotype und Projektionen bestimmt werden, die auf eine gesellschaftliche bzw. kulturelle Selbstverortung der Autoren schließen lassen?
  • Welche Rolle kam Tierdarstellungen in der Rezeption außereuropäischer Kunst zu? Lieferten außereuropäische Tierdarstellungen einen Beitrag zur europäischen Fremdwahrnehmung?
  • Welche Bildpraktiken waren signifikant für die wissenschaftliche Erfassung exotischer Tiere? In welchem Zusammenhang standen Bilder etwa mit den Sammlungsstücken von Kunstkammern und Naturalienkabinetten?
  • Wie wurden neu entstehende Motive exotischer Fauna in die Muster der Ikonographie eingefügt? Vermochten Exoten abstrakte Begriffe und moralische Vorstellungen zu versinnbildlichen?
  • Welchen Zwecken dienten Darstellungen außereuropäischer Fauna im repräsentativen Apparat der Höfe? Können aus Bildern exotischer Tiere Rückschlüsse auf Herrschaftsansprüche und Herrschaftspraxis gezogen werden? Gab es bürgerliche Strategien zur gesellschaftlichen Distinktion vermittels der Darstellung exotischer Tiere?
  • Welche Deutungen erfuhren exotische Tiere im populären Bereich? Vermochten z.B. Sensationsnachrichten über exotische Tiere Ängste und Bedürfnisse einer breiten Gesellschaftsschicht zu reflektieren? Welche Rolle kam dem Bild im Bereich von Schaustellern und Wandermenagerien zu?

Die Konferenzsprachen sind Deutsch und Englisch. Beiträge sollen eine Vortragsdauer von 30 Minuten nicht überschreiten. Um aussagekräftige Abstracts von rund 300 Wörtern nebst einem kurzen Lebenslauf wird bis zum 30. Juni 2017 gebeten:

Dr. Robert Bauernfeind: Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!
Pia Rudolph: Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!
Für Vortragende werden die Kosten für die Anreise bezuschusst, jene für die Übernachtung während des Workshops übernommen. Eine Publikation der Beiträge wird angestrebt.

 

RSA 2018 New Orleans, Hilton New Orleans Riverside, 22–24 March 2018
Call for Paper Proposals
http://www.rsa.org/general/custom.asp?page=2018NOLA
Northerners in Italy: Negotiating Style, Art Markets, and Comunità

Historians of Netherlandish Art (HNA) Sponsored Session

The lure of Italy enticed hundreds of northern European artists to cross the Alps during the early modern period in search of artistic inspiration and fame in centers such as Venice, Rome, and Florence. How these artists negotiated their new surroundings, however, depended upon economic and social factors specific to each particular center. Recent studies focused upon artistic migration, emerging art academies, and expanding art markets in Italy have highlighted how complex and mercurial this process could be. However, a broader study that identifies consistent patterns concerning artistic mobility is still needed. This session seeks to address this lacuna, probing further the process of acclimation for northern European artists in Italy and the effect of travel on artistic practice and theory.
We invite proposals that consider the following:

  • The role of networks in Italy for supporting foreign artists; and how these networks may have shifted and changed over time and within particular regions.
  • The significance of community between local and foreign, including institutions and organizations.
  • The meaning and nature of acclimation processes, such as negotiation, synthesis, integration, and assimilation.
  • The effect of travel on artistic production, including experimentation with new techniques, materials, and styles in various contexts and centers.
  • The art markets in Italy, and the role of northern European artists in their expansion and professionalization.
  • The relationship between travel, mobility, and artistic theory in northern Europe and Italy during the early modern period.
  • Artistic identity and identity formation among foreign artists and communities.

Proposals should be for 20-minute papers and must include a title, abstract of no more than 150 words, keywords, a C.V. of 300 words (no prose), and a short bio. Speakers will need to be members of RSA at the time of the conference.
Please send your submission to Erin Downey (Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!) and Sophia Quach McCabe (Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!) by 31 May 2017. Applicants will be notified before 3 June.